草间弥生——精神病院走出的波点女王|奇语坊当代画廊

奇语坊当代画廊2021-02-22 14:37:37









蔡康永在一篇博文中这样写道:“草间弥生不知是在哪面墙上钻了一个洞,窥知了造物者的某个手势或背影,她从此寄居于这面墙上,在两个世界间来回顾盼。”


这位日本国宝级艺术家的名字一出现,就常常引发各种膜拜和追捧,关于她的艺术衍生品更是在世界范围内热卖,一个被称为“怪婆婆”的女人到底为何有如此魅力?





或许某次绚烂消散之后的黑暗,会把我们的灵魂带进阴郁的死寂,在那瞬间的毫厘与倏忽中,我们会斩断人生这不看的大戏,对生命与享乐的万花筒摇头——草间弥生



Yayoi Kusama,圆点女王、日本艺术天后、话题女王、精神病患者、怪婆婆等诸多标签加在一起,都不足以囊括草间弥生复杂而多变的一生,在草间对自己的描述中,她仅是一位“精神病艺术家”。
草间弥生的创作被评论家归类到相当多的艺术派别,包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术(en:Art Brut)、普普艺术和抽象表现主义等。在1956年草间移居美国纽约市,并开始展露她占有领导地位的前卫艺术创作。


DOT     波点


小时候草间弥生看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网,同时她也被大量幻觉困扰,因而常常有自杀冲动。于是,她开始用绘画释放恐惧,试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来并沉迷其中。



草间弥生当时为母亲画的铅笔画已充满了小圆点。这些小圆点被当作是她与世界沟通的途径,她偏执地画下自己畏惧的东西,使之成为常态,从而进行自我治疗。

草间弥生的母亲专心于家族生意,对女儿的疾病一无所知。她认为草间弥生应该成为“收藏艺术品的富家女”而非食不果腹的艺术家。于是,母亲便毁掉了女儿的画布,罚她和工人们一起干活,还经常把她关起来打骂 强烈的恐惧感让草间弥生的精神濒临崩溃



虽然童年记忆不尽美好,却极大地激发了草间弥生的创造力。她不但做出了幻觉中那些张牙舞爪跟她说话的花卉植物,还把它们做得越来越庞大,花与植物成为草间弥生后来知名的创作主题之一。

1957年,草间弥生拿到了去美国的签证。离开之前,母亲给了草间弥生100万日元,并告诉她永远不要踏入家门。临走时,草间弥生在家外的河堤上毁掉了数千件作品,表达对母亲的愤怒,并决心彻底舍弃过去



画画我的工作也是我的全部

在精神疗养院里,草间弥生有一间私人卧室。即便在深夜,从工作室回来之后,她仍然可以在这里工作。写小说,写诗,画设计图或一些小画。
    在疗养院附近的工作室里,她完成了包括巨型南瓜在内的数千件作品。同时,她还发表了十几本小说和诗集。最近,草间弥生终于在疗养院隔壁买下一栋楼。她说,那是自己一生中最大的一笔花销,但至关重要,“我在那里画画,并进行雕塑作品的设计。那是我的工作,也是我的全部。”


1967年,当得知无法获得预期的展出机会时,她开始自己演出。草间弥生的标志性圆点蔓延到千奇百怪的物体表面之后,又铺到了现场行为表演的裸体之上。



1968年,草间弥生疯狂组织“人体炸裂”的系列裸体集会后,迅速成为美国媒体追逐的对象。她化着浓妆、披着长发、穿着自己改制的奇装异服,依傍“自由女神”像或在中央公园的“仙女爱丽丝”雕像处恣意地表演。人潮从四面涌来,每个观众需要付两美元“门票”。借此行为艺术,草间弥生终于获得了不错的收入。




“我的一生,我活着的每一个日子,都必须与艺术相关。要是人可以有来世,我还想再做艺术家。无论生与死,艺术对于我来说就是一切。”


在日本,年轻人穿着的服饰中,带有圆点图案的服饰约占30%左右。草间弥生10岁就开始运用非对称的半身红半身白的毛衣装饰自己。至今为止,她的服装全部是由自己设计。波点和她的精神病一样,成为她身上最深的印记



INFINITE    无限


无限的网,弥漫的圆点,无边的空间,重复的符号……草间弥生的一切都像是无尽绵延的时空。在这里,时间、重力等任何绝对参照物都失去了意义,而草间弥生真正惊人的是她艺术创作生涯60年来不竭的创造力。



草间弥生的艺术表现语言可以说是来自宇宙和自然。草间弥生用无数的点来改变固有的艺术表现形式,在事物之间刻意地制造连续性,营造一种无限延伸的空间;置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界,而这种虚幻意识正是来自世界的本质。这种世界本质的意识组成了一面无限大的捕捉网,她则不断地编织着这个网进行简单的重复、无限的延伸。她那些具有无限张力的作品,将观众带进了一个无限延伸的空间。

正是她不厌其烦重复的圆点,影响了当代的波普艺术,树立了她在世界当代艺术界的崇高地位,成为波普艺术的代表人物之一。



她创作了无数让人向往的作品。

无限的镜屋,每人的观看时间为45s,因为有50万人排队...


消融之屋的概念还是与波点有关,展览开始前会设置一间纯白的屋子,屋内摆满纯白的家具,一眼望去就是白茫茫一片。而随着参观者进入屋子,把手中的彩色波点随意贴到家具或墙壁上,整个房间会慢慢变成一片五彩的波点海洋,原有的物品似乎都“消融”在了波点中。



连川普的女儿都去和她的作品《消融之屋》合影并po到了instagram上,瞬间收获了14万的赞。


如今,只要她在哪个城市办展,大家都会蜂拥前往排队看一看她的梦境。

波点也成为了时尚和潮流的代言元素。

她成为了当代在世作品价值最高的女艺术家,她的作品价值增速是北京房价的10倍,作品《白色28号》在2014年纽约佳士得拍卖中卖出了710.9万美元的高价。


为了观展体验,草间婆婆最有名也最适合拍照的“无限镜屋(Infinity Mirror Rooms)”,每次只限2-4人进入,每人限30秒,排的队有多长可想而知......


所谓无限镜屋,就是在一个四面都是镜子的小空间里置入各种元素,从而达到一种无边无际、无限重复的幻境效果。参观者置身其中,也会被复制出无数个



草间婆婆第一次制作的镜屋是1965年的《阳具原野》



《波点执念》,空间中一片暗红,充满了各种大大小小带黑色点点的圆球。



PUMPKIN   南瓜

童年的草间弥生对万物充满好奇,比如闭上眼睛的奇妙光晕、鲜花、还有南瓜。她还记得曾经相遇一颗连着藤蔓的南瓜,这颗南瓜还开口跟她说话。从此,圆润茁实的南瓜成了草间弥生的最爱,“它们摸起来柔软,颜色和形态又十分有趣。”

青年时期一张南瓜主题的日本画,让草间弥生在一场本地画画比赛中胜出。后来,她废寝忘食地复刻这张画,直到闭着眼睛都能描绘出南瓜的每一处弧度。

  事实上,草间弥生是最爱南瓜的艺术家了。从上世纪 40 年代开始,南瓜便出现在草间弥生的作品里。“我会忘记所有,只为集中精神,直面南瓜的灵魂。”草间弥生在自传中透露,自己曾经一个月盯着一只南瓜。



1970 年从纽约回到日本后,草间弥生的南瓜更为多元。如今草间弥生画笔下的南瓜有着明亮的色彩,并点缀以黑色的波点,辨识度极强,一看就是“草间弥生的南瓜”。



这颗黄色南瓜,被多数艺术家和策展人评价为直岛上最好的户外当代艺术作品。


它在延伸至大海中的道路的尽头静静伫立,如果刚巧游人稀少,静静观望和体会,也许可以体会到艺术家想表达的“拥抱世界尽头”之意。

对人类命运、对一切生命、对宇宙,草间弥生总是怀抱无限的慈悲和敬畏。

在她的艺术世界里,波点常常作为表达媒介,重复的图像构成看似虚化了作品题材,但这种在重复中营造的空虚感最终又物化成作品本身,向观者展现着极简与极多、纷繁与复杂、单纯与欲望、有限空间和无限宇宙的对照。

黄南瓜这样的室外艺术作品,在自然的环境中,更容易给观者带来一种超脱现实的存在感。



“我要以我的艺术填满亿万光年的浩瀚宇宙,

我要让地球上所有的人都看到我的作品;

怀着这样的希望,我的心在燃烧。”



艺术对现在的你意味着什么?

草间弥生:我的艺术创造的灵感不仅仅只是因为个人元素,同时还包含世界历史和现在社会中复杂而多元的元素,所以我喜欢通过艺术来表达我的思想和理念。我希望将我的艺术作品贡献给世界。



这样的草间弥生并非不食人间烟火。喜欢仰望星空的她,却是深深扎在土地里的人。从最开始她对她的恩人乔治亚·欧姬芙说:“我必须呆在纽约,因为我要出名”,到她在反战浪潮中善于抓住时髦热点制造话题(比如同志、裸体、性等行为艺术),再到回归故土一步步扭转这个保守根深蒂固的国度对她的负面评价……这一切,如果不是步步为营的精心打算,是不可能成就今天的她。


人的生命是有限的,但每当想到无限的宇宙就会让我们没有那么紧张,也许我们会有来自生,这种想法让我们没有那么害怕…




她的初心,却比任何人都强大。在最初的最初,在逃离日本去美国之前的那个小女孩心里,对美国的想象是:“晴朗无云的天空下,放眼望去是无尽的玉米田。阳光渗透到草原的每个角落,空间无边无际延展到天边。”后来,我们在草间弥生的自传中看到她如下的坦白,或许可以作为她自身艺术与人生最好的注解:“镜中几千几万道光速明灭的色彩,正是我们凡尘俗世的缩影。或许某次绚烂消散之后的黑暗,会把我们的灵魂带进阴郁的死寂,在那瞬间的毫厘与倏忽中,我们会斩断人生这不看的大戏,对生命与享乐的万花筒摇头。那些迷幻的光,是梦,是泡影,是天堂。”



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